Anna Konjetzky & Co

songs of absence // Reviews

songs of absence // Reviews

Anna Konjetzky «Songs of Absence»

Salzburg // March 2024 // Author: Carmen Kovacs

Not every loud work is a good work – but this one is. Anna Konjetzky has something to say that must not disappear. In Munich, she and her team have been a ground-breaking institution for many years, actively seeking, facilitating and shaping local and international connections and networking within the dance scene. Songs of Absence”, which premiered at the Munich theater festival “spielart”, can be understood in the context of this exchange, as part of a queer-feminist, socio-politically anchored artistic practice.

While the focus is urgently on making voids visible, on the forgotten and repressed, this content is presented in a charming album structure. Two stand-up microphones are positioned in a semicircle of projection screens, indicating from the outset that there is a lot to say. And indeed, the text, the pronouncing and addressing, the swallowing, mutating and virtuoso morphing of words and sentences into one another play a key role. In an almost symbiotic relationship with the soundtrack (Sergej Maingardt), the phenomenal cast of seven performers leads us through embodied attitudes, personal address, ecstatic speech, rap, slogans, poetry. Some moments of expressing become a difficult birth, the movement a side effect of the meaning.

How all this looks in movement language seems secondary in many moments anyway – and yet the forms of expression are so concrete and specific that the experienced choreographic directive behind them can be clearly felt. Sometimes they are static images, beautiful complications in which the bodies slip in and out of each other, supporting and holding each other. And sometimes they are liberated dance phrases that conjure up the affirmative power of movement. At one moment you see the group obsessively working on itself. And in the next, an electric guitar being worked on by two performers with objects and made to sound in wild ways.

We experience gestures of negation, which in the collective performance become affirmative gestures of togetherness, a sisterly embrace. We watch an ensemble that has its resources under control and understands its self-empowered approach right down to the design of the light. The craftsmanship and dramaturgy are so good that at times you forget what it is actually about. Fortunately, the finale is a caring slap in the face that tells you whether you’re still there.

On the bright side of the shake

Süddeutsche Zeitung, 06.11.2023 // Authors: Yvonne Poppek/Egbert Tholl

In beautiful contrast, there is the world premiere of “songs of absence” by Munich choreographer Anna Konjetzky, conceived like an album, interspersed with strong images, cleverly positioned in a feminist way.

The art of playing

Abendzeitung München, 02.11.2023 // Author: Vesna Mlakar

Songs of absence” is full of lyrics (…) Powerful words, peppered with thoughts that continue to have an effect on her – inwardly – violently moving performance. (…) Emotionally, the whole thing escalates into an increasingly agitated enumeration that culminates in a hiccup of vowels that are merely uttered one by one. Again and again, words get stuck in the throats of the seven dancers. (…)
Anna Konjetzky is well versed in the art of playing with content and form. But the choreographer, who has been regularly staging dance pieces characterized by a socio-political debate in Munich and around the world for 18 years now, is never merely concerned with the formal. Her almost insatiable desire to impulsively and thematically capture an audience seems to be too great. And this is exactly what Konjetzky succeeds in doing thanks to her famous protagonists Sahra Huby, Amie Jammeh, Sotiria Koutsopetrou, Jin Lee, Quindell Orton, Martha Pasakopoulou and Hannah Schillinger.

hope/less // Tanznetz

hope/less // Tanznetz

Make things happen!

Tanznetz, 29.09.22 // Author: Anna Beke
Premiere of Anna Konjetzky’s latest production “hope/less” in the Muffathalle in Munich.
Following her dance solo “On Anger”, choreographer Anna Konjetzky once again explores the theme of emotion as an individual force and a social condition in her latest piece “hope/less” – a performance that gets under your skin!

Anna Konjetzky, a firmly established choreographer in the Bavarian capital, has once again created a hit with her newest production “hope/less” which, after having previewed in Braunschweig, recently celebrated an acclaimed premiere in Munich – justifiably so! In her poetic-philosophical dance portrait Konjetzky devotes herself to nothing less than the infinitely wide field of hope or rather hopelessness. And thanks to numerous previously conducted and recorded interviews, she receives countless answers to the question about the individual significance of hope, which in turn only results in further questions: Can hope be understood as an eternal motor of progress and motivation? Or can hope also be a hindrance and lead to compliant passivity? When does hope turn into hopelessness? The choreographer could not have chosen a more controversial moment to concentrate on this enormous topic in our current time of often overwhelming anger, grief and powerlessness – and yet also burgeoning hope for better and more peaceful times, a theme which touches people both individually and socially, in that it affects everyone without exception!

The visual framework of Konjetzky’s kaleidoscope of emotions is made up of a movable and rotatable metal structure that rests on four posts, into which a coarse-meshed net of safety belts has been attached. It ingeniously creates a variable playing field with an almost endless variety of movement possibilities for the virtuosic-dynamic power quartet consisting of Daphna Horenczyk, Sahra Huby, Quindell Orton and Jascha Viehstädt, the choreographer’s regular ensemble.

The initially delicate sounds (Stavros Gasparatos) accompany a figure in the net unpeeling itself from the deep black darkness of the stage. A single body that discovers its horizontal surroundings with cautious slow-motion movements and that is gradually joined by the other three dancers. At first, each of the dancers gingerly explores their environment, which is limited to a minimal space, feeling their way forward and enlarging the radius of movement – four individuals on their own, searching for themselves, for their own identity – integrated into a net of perceived security or is it a net of restriction? Only gradually do the performers with their casual athletic look – barefoot, jeans, striped shirts – discover the various possibilities that the net underneath them also offers for vertical movement: Carefully balancing on the belts is attempted as well as lying on the straps or smoothly gliding through the net. Dangerous situations soon develop from this supposedly ‘comfortable’ state, when two dancers leave the ‘feathered nest’ and slide through onto the floor – the dancers hovering dangerously above their heads threaten to fall onto their victims like spiders – with their full weight. But all four of them land with perfect control on the floor of the stage, having dared the leap into the open – into freedom.
Timidly and clumsily, the dancers balance on individual body parts until they gain traction and begin to conquer their terrain. Spirals are spun, a dancer (marvelously virtuosic: Jascha Viehstädt) performs imaginary boxing exercises with himself: To hope also means to fight, oftentimes with oneself – overcoming oneself, not just literally passively ‘hanging around’ and hoping in vain that something will eventually happen, that something has to happen. With increasingly extensive movements and rapid changes within the space, the dancers conquer it masterfully, even with their eyes closed. They act as a perfectly attuned collective, dynamically divine as well as extremely present and are convincing precisely because of their diversity, perfectly complementing one another. The central question “I hope for…” is soon tossed around like a childish pun, and is converted by the four performers teasingly flirtatious, introverted or – conversely – extroverted into a tool of an improvisational playground, in order to express their own wishes – they do this for themselves, in an intimate mind game.

But again and again the net, the ‘safe haven’ of habit and custom, summons the dancers and catches them again – individually, in pairs, all together. The dancers, in turn, respond on account of the newly acquired experience with daring, reckless swinging – that might end in flips and dangerous falls – they conquer their old terrain and reclaim it with unexpectedly intense energy: They swing along the railing, climb up it at lightning speed – effortlessly, weightlessly – they balance freely on the net-straps – life as a balancing act per se. Fearlessly they leap from great heights and in standing positions from the trapeze – like skydivers without a parachute, absolute control in the free fall. The passion and curiosity for life dominate and consequences are accepted: That’s life! Brilliant climbing – brilliant failing! So what?!

But sometimes it’s also a case of not getting anywhere, despite the greatest efforts and frantic running steps in the air, every step ultimately comes to nothing – like a hamster in a wheel, moving forward beyond the cage is impossible. Here the net turns into a prison – meshes that do not release into freedom and clutch invisibly.

Repeatedly the four individuals come together in sculptural formations – as a living breathing organism, as a gracefully hovering and at the same time fragile perpetuum mobile, which as an unmoving mover stands for ceaseless change: The dancers hold each other – casually, without making a big stir about it – support each other, save each other from falling and colliding; individuals forming a community. Detached from time and space, they seem to be floating in eternity – in an antiquarium without walls, without a floor, an airless space. But then they challenge each other equally and impose limits on each other: For example, when a dancer standing underneath the framework intends to escape it, supposedly running free, and each time is in danger of crashing against the metal post of the podium which is rapidly being spun by her partners – this signals that there is no escape. An image that seems to say: This is your limit! This far and no further! Brutal scenes like these alternate with gently touching ones, when a dancer (Quindell Orton) under the trapeze tries to escape vertically and tentatively stretches her fingers through the coarsely meshed holes of the net – as if to grasp for outside, a physical sigh for freedom… an image that allows countless associations.

It is not until the scaffolding is rolled to the back wall of the stage with concentrated collective force and ‘finally’ space is created, that room for diversity and breathing freely becomes fully possible. But even this state is not final, soon the scaffolding is retrieved again and as if on a silent command the four dancers climb back onto ‘their’ frame within seconds, retreat to ‘their’ castle – but hang there like insects caught in a net, like castaways clutching the beam of a sinking boat. Hanging there for a long time, until they begin to pant, curse and scream – “I quit”, Sahra Huby says, she can’t take it anymore – gravity is pulling on her too relentlessly, and her partner hanging upside down is about to hit the stage floor hard, headfirst. Increasing uncertainty is palpable in the audience: Is this the end of the performance, should the dancers be saved with applause? But it is not the end, in a vivacious finale one of the dancers is left alone in the net and tries to escape by climbing but seems to become more and more entangled while her fellow dancers twirl her inexorably and at a dizzying pace in the scaffolding – an impression so compelling that it physically spreads into the audience. Suddenly the threatening whirlpool comes to a halt – the dancer is able to free herself at the last second and regain (self-)control. She has ground under her feet again – a momentary order has been restored within the collective. Meter-long plastic straps are attached to the net. On both sides, the dancers take them from the stage into the auditorium and form a net right above the audience. The audience itself becomes part of the collective, part of the established community. Into the darkness that starts to spread once again, the stage scaffolding is rolled gently yet inexorably towards the audience and the performance ends – as usual – in motion, as a visionary image headed for the future? A visionary image looking forward. An ending in transformation – all of us transforming, incessantly, without any interruption. There’s no existence without change!

“I do not feel alone in my hope. I share the same hopes and fears as many other people”, a voice offstage says once during the performance of “hope/less”, and the core of this statement becomes especially palpable at the end, in this time, in this moment… If a sorrow shared is a sorrow halved, isn’t the opposite true as well, a hope shared is a hope doubled? Hope can be a motor, a barrier, it can be individual and communal, it can move and stop – but hope as a perceived opportunity for change and as a motor of transformation can most notably do one thing: Make things happen! Alone, but even better collectively. Together is more.


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Über die Wut // Fränkische Nachrichten

Über die Wut // Fränkische Nachrichten

Tanz – Mit geballten Fäusten

Fränkische Nachrichten, 20.12.2021 // Author: Nora Abdel Rahman​
Tanz – Mit geballten Fäusten
Stück „Über die Wut“ beendet das Jahr im Eintanzhaus

„Stopp!“, schallt es aus dem Off, während sich die Performerin von ihrem Platz wegbewegen will. Sie hält inne, geht zurück in ihre Sitzposition und versucht es erneut. Doch wieder zwingt die kurze Anweisung sie zurück in die Ausgangsposition. Das geht so weiter, bis sich dieser Vorgang verselbstständigt und in eine andere Form übergeht. Auf der Soundspur verzerrt sich das „Stopp!“, dehnt sich aus, verdoppelt und verdreifacht sich zu einem ausufernden Klangexperiment. Während die Tänzerin einen ähnlichen Prozess durchläuft: Ihr Körper spannt sich immer stärker an, mit geballten Fäusten beginnt sie einen Tanz, der sie mehr und mehr einem Ausnahmezustand annähert.
Eine Recherche „Über die Wut“ ist der in München ansässigen Choreographin Anna Konjetzky mit ihrer aktuellen Tanzarbeit gelungen. Wut sei ein Zustand, schreibt sie in ihrem Tanzprospekt, „der aktuell sehr präsent ist und als Produkt einer besorgten und ängstlichen Politik und Gesellschaft großen Raum in unserer Realität einnimmt“.
Verletzbarkeit der Seele
Auf der in Weiß gehaltenen Bühne im Mannheimer Eintanzhaus entfaltet sich das Szenario „Über die Wut“ mit der unermüdlichen Performance von Sahra Huby auf der herausfordernden Musik von Brendan Dougherty und der raffiniert genutzten Bühnenausstattung. Bald setzt Huby ihr Konterfei in einen von der Decke hängenden leeren Rahmen und zeigt ihren vor Wut angespannten Kiefer, fletscht die Zähne oder sperrt den Mund weit auf zum Schrei; bald wird ihr Gesicht durch eine Filmprojektion ersetzt, die wütende prominente Konterfeis zeigt; bald leuchten in der Luft hängende Wut-Lettern auf, ausgelöst durch einen Sprung der Performerin auf einen Schalter am Boden; alles ist hier in die verschiedenen Ausprägungen der Wut getaucht. Als sich die Akteurin nackt auf der Bühne zeigt, wird der Wutrausch für Momente stillgelegt. Jetzt offenbart die Tänzerin die ganze Verletzbarkeit des Körpers und der Seele.



(Tanz-)Bilder einer Großstadt

KULTURA-EXTRA, 21. July 2021 // Author: Petra Herrmann
WE ARE HERE von Anna Konjetzky – jetzt auch in München
Corona hatte die Choreografin Anna Konjetzky arg gebeutelt. Zwei Premieren mussten abgesagt werden, eine ist wohl für immer gestorben. Aber jetzt: We are here.

Elf Tänzerinnen und Tänzer [Namen s.u.] durften endlich wieder zeigen, was sie drauf haben. Ihre Partner: ein tiefer, grauer Raum (Andrey von Schlippe), Licht und Schatten. Es trägt sie eine starke Basis, die eindrucksvolle Soundcollage aus Geräuschen einer Großstadt von Sergej Maingardt.

Alles beginnt mit Soundschleifen, die aus einer Fußgängerzone stammen könnten, einem Bahnhofsvorplatz, einer U-Bahn-Haltestelle. Alltag in town. Die Menschen, in grau, beige und braun, sind bis auf ein paar Farbtupfer in „gedeckten“ Tönen gewandet (Kostüme: Charlotte Pistorius) und scheinen gelangweilt zu warten. Jede und jeder für sich. Tonfetzen setzen sie in Bewegung, abrupte Stille friert sie ein. Die Szene nimmt Fahrt auf und erinnert an das alte Kinderspiel: stoppte die Musik, durfte man sich nicht mehr rühren. Das sah damals komisch aus. Die Kinder lachten.

Dieses erwachsene Tanzspiel jedoch hat nichts Fröhliches. Die Menschen verharren oft in Schreckstarre, irgendwoher atmet es schwer. Aus dem Geräuschteppich steigt immer wieder ein pulsierender Rhythmus auf. Die Moves schalten sich gleich, die Schatten der Tänzer spielen mit. Verleitet diese akustische Umgebung zu Uniformität? Auf jeden Fall funktionieren die Menschen wie Rädchen in einem Getriebe. Zwar lösen sich einzelne Tänzer*innen hin und wieder aus der Gruppe, nehmen sich Freiräume, ihre Schritte sind dann unnatürlich laut, sie schlenkern mit den Armen, doch bald schon zucken und zittern sie aufs Neue zum Beat der Stadt: Baulärm? Eine Stadtbahn? Bremsen? Sirenen? Alles geht wild durcheinander, im Großstadtdschungel brüllen Löwen, heulen Hunde, Paarungen sind flüchtig und zufällig.

Je höher der Geräuschpegel steigt, umso mehr verdichten sich Aggressionen, Angst und Erschöpfung. Dazu verengt sich der Bühnenraum. Er verliert immer mehr an Tiefe. Am Ende stehen alle Figuren aufgereiht wie auf einer schmalen Rampe. Kein Platz mehr. Der Tanz ist zu Ende. Stille. Aber dann lauter, verdienter Beifall.

Anna Konjetzkys vielfach ausgezeichnete Arbeiten werden national und international gezeigt. Sie kreiert auch Stücke für etablierte Tanzcompagnien und realisiert ihre eigenen Stücke seit 2014 in Koproduktion mit den Münchner Kammerspielen. Seit 2019 agiert sie als Anna Konjetzky&Co. Mit einem festen Team hat sie in München den PLAYGROUND gegründet, einen Ort, an dem Tänzer*innen ihr Wissen erweitern können.

Einmal mehr war ihr mit We are here, einer Produktion des Saarländischen Staatsballets von vor zwei Jahren, ein sehr starkes Stück gelungen.

WE ARE HERE // Abendzeitung München

WE ARE HERE // Abendzeitung München

“We are here”: Stop und Go in der Muffathalle

Abendzeitung München, 21. July 2021 // Author: Vesna Mlakar
“We are here” – ein Tanzstück von Anna Konjetzky, das am Mittwoch noch einmal in der Muffathalle aufgeführt wird.

Schluss mit klein, dachte sich Anna Konjetzky. Die Tänzer der freien Szene müssen endlich wieder raus ins Rampenlicht und dabei ihre Energien bündeln.
Nach unzähligen Absagen und Projektverschiebungen im Zuge der Covid-19-Krise und ihrem emotionalen Lass-alles-Aufgestaute-an-Gefühlen-raus-Soloprojekt “Über die Wut” entschloss sich die weit überregional erfolgreiche Münchner Choreografin zu einem Experiment, das in seiner Umkehrung jenem vergleichbar ist, mit dem das Ballett des Gärtnerplatztheaters die 30. Tanzwerkstatt Europa eröffnet: neue, anders “tickende” Körper toben sich in unter gänzlich anderen Bedingungen entstandenen Stücken aus.

Newcomer und erfahrene Joker wickeln Zuschauer um den Finger
Nur dem Zufall ist dieses kongeniale Zusammentreffen zu verdanken. Man kann nur empfehlen, das auch auszukosten. Schon in der Generalprobe von “We are here” wickeln junge Newcomer wie João Santiago und Oliver Pertiglieri mitsamt starken Frauen (Aurora Bonetti, Eleonore Bovet, Erica D’Amico, Chiara Viscido) und flankiert von immer guten erfahrenen Jokern à la Guido Badalamenti, David Cahier, Sahra Huby, Quindell Orton oder Alfonsos Fernández Sánchez den Zuschauer locker um den Finger. Jeder hier hat Unikatcharakter. Und das in einer Freakshow von alltagsgelangweilten Typen, die innerhalb eines neutral-grauen Raums diversen akustischen – mal angenehmen, meist aber stressig-bedrohlichen – Szenarien ausgesetzt werden.

Konjetzkys Wahl fiel auf ihr gerade wieder rechtefreies Stück, das sie im Mai 2019 mit dem Saarländischen Staatsballett uraufgeführt hatte. Nun verantworten, nach Monaten der Unsichtbarkeit, elf lokale Performer die Premiere der Münchner Neueinstudierung. Die Kostüme mitsamt dem unmerklich raffiniert den Platz stetig verkleinernden Original-Bühnenset bekam man geliehen. Das verpasst dieser Produktion den vereinnahmend professionellen Look. Zur Ruhe kommt man beim Zusehen allerdings nicht.

Klangideen prallen auf Bewegungsmuster
Ganz offensichtlich wurde die zum Ende hin immer waghalsigere solistische Highlight-Momente abfackelnde Show im Sinne einer gedanklichen Bedienung von Play- und Pausentaste kreiert. Sogkraft entwickelt sich folglich aus einem ständigen Stop und Go. In jeder Sequenz wird irgendein Motiv schallwellenartig auf die Spitze getrieben.

Ständig prallen Klangideen (Sergej Maingardt, mit unzähligen Effekten von lauten Pingpongbällen bis zu Raubtiergebrüll) und Bewegungsmuster gegeneinander. Nach gut 50 Minuten persönlicher Assoziationsausbeutung bekommt man dann fast alles nochmals per weich gesoftetem Schnelldurchlauf vorgespielt. Auch das musikalische Universum rauscht einem zeitlich eingedampft zum Schluss ein weiteres Mal laut um die Ohren. Top ausgeklügelt, dieser herausfordernd-fiese Spaß!

Über die Wut //

Über die Wut //

ABOUT ANGER, 14. Juni 2021 // Author: Jeannette Andersen
For her new piece, Über die Wut (About Anger), Anna Konjetzky chose a traditional stage — at the Münchner Kammerspiele —

The solo, danced by the fabulous freelance dancer Sahra Huby, was spellbinding. Huby’s register of anger spanned cartoon-like movements, repressed anger that distorted the body, anger that welled up from her toes and tried to escape through her mouth, aggressive typically masculine gestures and much more. Scenes of violent demonstrations, such as those for Black Lives Matter, and of refugees trying to climb the wall between Mexico and the United States, were projected upstage on white banners because, as Konjetzky explained in her artist talk, we are living in a world of anger.